Escultura: João Paulo Ferreira
Pintura: Aythami Alonso
Concept: Marco Riolo
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Antes de ver los videos os dejo un pequeño artículo. La verdadera chicha esta en ellos.
Cómo pintar la piel de Dafne
Siempre empiezo buscando inspiración pero esta vez quería exigirme algo más a mi mismo y dejarme llevar por mi imaginación así que no busqué nada al principio que me influyera.
Quería que el proceso de toma de decisiones fuese aun más vivo si cabe, haciendo lo que me pedía la figura en cada momento.
Sobre una capa de imprimación negra empecé a jugar con dos fuentes de luz utilizando el pedazo de Blanco de Liquitex. Para mi. El mejor blanco que hay para aerógrafo, apenas escupe punteado.
Este proceso es muy importante para el resultado final. Estamos creando una base y volumetría que, sin ser tajantes, nos darán una imagen muy aproximada, en blanco y negro, de lo que tendremos al final.
Imaginaos que tenéis 2 segundos para ver vuestra obra terminada. ¿Qué sensación general os provoca? ¿Puedes apreciar una silueta atractiva? Con este paso conseguimos responder adecuadamente a esas preguntas. Se asienta el “alma” del busto.
Me apetecía seguir trabajando el estilo ilustración en 2D que se basa en los grandes dibujantes. Así que con esto en cuenta juego con el aerógrafo como si fuese la luz. Muevo la figura para llegar a las zonas que me apetecen. Le meto dos luces:
- Una por detrás internándose por el lado derecho de la cara y barriga
- Otra central cenital tirándola un poco a la izquierda (Siempre que metáis luz cenital tiradla para alguno de los lados)
Para hacer este efecto de “ilustración” es importante tener en cuenta varios factores:
- Escoger un ángulo principal dónde la figura se apreciará al 100% con el que trabajar con la silueta de los elementos (brazos, cara, arma, pelo)
- Con ese Ángulo, empezar a trabajar una volumetría para cada silueta y rebotes de luz. Teniendo en cuenta los ángulos que vamos creando con el Aero y haciendo una especie de “Aura” alrededor.
- Una vez delimitadas las siluetas cerramos un ojo y observamos. Si vemos que alguna luz no encaja con ese “Aura” toca rectificarla. ¿Por qué? Al cerrar un ojo estamos imitando el efecto de la fotografía. Al hacer una foto (un solo objetivo) los objetos se agrandan y en consecuencia lo que tu pensabas que estabas pintando y silueteando, se pierde.
- El problema es que al usar este efecto de ilustración damos protagonismo a ese ángulo de visión y no a otros.
Con las luces medio puestas empezamos a meterle color.
De aquí a unos pasos adelante es puro testeo a aerógrafo. Ensayo y error. Cogí naranjas, cuero rojo, rosas (1ª foto) y empecé a tirarlos muy diluidos en una mezcla con Medium Veladuras y Barniz ultramate de AK. ¿Por qué? El medium es cómo un color transparente en si mismo, aporta viscosidad al color que le metas y añadiéndolo a la pintura para el aero te quita mucho punteado al trazo. El barniz mate es porque satina mucho.
Lo bueno de esta mezcla transparente es que te permite ver el trabajo de debajo del aero.
Entre el proceso de color metemos luces y sombras (2ª y 3ª foto). Sombras con negro de Liquitex y luces con blanco y rosa marrón Vallejo. “Cómo se nota que aun no tenía las ideas claras y estaba probando” Pero eso está bien, porque me equivoqué 3 o 4 veces aprendiendo lo que no funcionaba. Todo ello está en el video para que no la caguéis vosotros.
Y mientras tanto te lo pasas genial probando cosas. Vas cerrando el cerco de las ideas desechando las malas y quedándote con las buenas hasta ir dando con resultados decentes. El proceso está vivo.
Sigo probando ideas unificando con Cuero rojo el trabajo anterior (1ª foto), potenciando las luces de recorte con blanco Liquitex, acordaos de las reglas para pintar con un efecto de ilustración en 2D (2ª foto) y cambiándole el tono después por uno más cálido. Poco a poco me iba acercando a lo que quería.
Consejo: El permitirte cometer errores te da más libertad a la hora de conseguir lo que quieres en la pintura. Ves por donde no tenías que ir y sobre todo te quedas tranquilo sabiendo que no funcionaba tu idea (o si !!)
Algunas ideas como la de estos haces de luz terminan funcionando.
Yo quería una piel pálida. Así que empiezo a tirar con el aerógrafo con colores claros muy disueltos encima del trabajo previo (1ªfoto) poco a poco se va cambiando el tono. Viendo fotos de referencia de pieles pálidas de autores tan buenos como Ignacio Fernandez Rios me doy cuenta que muchas tienen una pizca de morado en tono medio (2ª foto). Y como color complementario sería interesante meterle en luces una mezcla de blanco con amarillo caqui (3ª foto). Todo lo explico más extensamente en el video.
Esto es interesante porque al principio el ejercicio era precisamente no copiar, para ejercitar la imaginación pero copiar, en mi proceso personal de aprendizaje, ha sido y es una de las herramientas más importantes para archivar trazos, rebotes de luz, facciones irreconocibles anteriormente, tonos, etc. Junto con la técnica y la práctica se van retroalimentando hasta que eres capaz de pintar sin tener un ejemplo delante, utilizando tu imaginación y tu archivo caótico de recuerdos. Transformas esa copia en estilo propio.
(Cuando os explique cómo pintar la armadura os contaré la historia de cómo me olvidé de mi propio consejo, teniendo que repintar la zona 4 veces, hasta ponerme con una foto de Kirill delante y calcarla.)
¿Pero, qué pasa si sólo copiamos? Pues que no entendemos el porqué de lo que pasa a nuestro alrededor y a la hora de trasladarlo a la figura nos vemos cojos. ¿Te habías planteado que nos vemos afectados por la luz/color del suelo?
Estudiando las fuentes de luz posibles en nuestro ambiente futurista podemos imaginarnos que se ve afectada por la luz de una luna lejana de algún color distinto al de la tierra, también por el rebote de la misma sobre un suelo rojizo y ésta sobre las partes bajas del busto, luces fluorescentes de colores vivos, etc.
Tenemos que exigirnos más a nosotros mismos y jugar con la luz. Entrad en pintarest y mirad las ilustraciones. ¿Cuantas ilustraciones con solo una fuente de luz veis? No digo que pintar con una sola luz esté mal, es más, aporta un cierto dramatismo según la enfoques y una naturalidad que a veces es necesario. Pero añadiendo más de una jugamos con los volúmenes y el ambiente, y en mi caso, me exijo más a mi mismo.
Aquí nos metemos en detalle con las facciones de la cara. Aunque intento ser discreto al principio (1ª foto) no puedo dejar de pasarme como siempre. En este punto hay mucho de estudio de anatomía que veremos en el video. Luego unifico a aerógrafo (2ª foto) para terminar volviendo a coger el pincel dándole los últimos toques en blanco (3ª foto)
Por último le meto una luz secundaria potente con Magenta y rojo, dividiendo la fuente de luz trasera en dos, y convirtiendo mi idea inicial en una algo mejor. Todo después de comerme el coco intentando crear un ambiente de ciencia ficción.
En todo el proceso me he saltado muchas explicaciones que están grabadas: pecas, manchas, pelo, palabrería motivacional, etc. Este artículo es un resumen que espero que os anime a verlo porque hay mucha miga de la que hablar.
Ahora si, vamos con lo bueno.
- Introducción
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¡Llega el ensayo y error!
Piel: Una hora de video llena de estudio de anatomía, Experimentando sin miedos, viendo el arte con nuevos ojos, logrando un tono de piel pálida a base de ensayo y error, jugando con tres fuentes de luz con un efecto de ilustración 2D
- Piel 1ª parte
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- Piel 2ª parte
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- Piel 3ª parte
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Metal No Metal: 1:30 horas donde explico cómo observar, trasladar, corregir, experimentar, texturizar y añadir tonos, de la mano de los grandes trabajos de Kirill Kanaev y Lan Studio. Aprenderemos cómo pintar el metal de forma viva y divertida, sin saltarnos ningún paso. También explicaré cómo pintar haces de luz, sombras proyectadas y un mapa de color para guiar nuestra mirada por la figura con suavidad.
- 1ª parte MNM
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- 2ª parte MNM
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- 3ª parte MNM
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- Vuestra sección 😉
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Desde luego que es el video de ensayo y error jejejej, que caos. Por eso amigo mío, el pintar como se lleva haciendo años en ilustración y trasladarlo al 3D cambia tu forma de pensar y de captar todo el proceso de pintura. De lo que llevo visto y como siempre me ha encantado, si hay procesos que no son útiles pero no se practican es imposible que nos demos cuenta del error y solo ese atrevimiento nos sirve ya para aprender, por supuesto es bueno tener un guion pero quien dice que nos tenemos que restringir ?
Ahora falta “ponerse la gorra” 🙂 y ponernos a pintar!!! Que ganas me has dado de avanzar, de probar !!
Un abrazo enorme maestro.
Jejeje que arte tienes! me alegra mucho que te guste y que te haya podido transmitir ese continuo ensayo y error que tanto nos hace aprender.
Estos mensajes me motivan a seguir y veo que lo que hago tiene sentido. un abrazo enorme!
Hace ocho años que por razones de salud me tuve que dejar este hobby tan bonito, bueno un hobby que termino siendo parte de mi sustento. Durante todo este tiempo siempre tenía esa espinita clavada de volver a pintar, y aunque ya pudiese hacerlo no me terminaba de animar “tonto que es uno”. Hace unos días acabe en tu página y viendo como disfrutas y tus ensayos y errores que tanto me hacen recordar, termine de asimilar algo,” la cabra siempre tira al monte” Ya puedo decir que tú eres la razón por la que vuelvo a pintar.
Saludos campeón, te debo una birra.
Pd: tus videos se hacen muy amenos y la música está muy acertada.
Hola Javier!
No sabes lo contento que me pone el haberte motivado a volver a pintar. Si por algo me gusta enseñar es por estos pequeños momentos.
Dale duro al ensayo y error. Sufre, diviértete y pasa fotos cuando pintes algo.
Esa birra cuando quieras 😉